NORMAND SÉNÉCHAL

Son approche de la peinture est

simple: Pour commencer, le contact avec

la surface. En la préparant, chaque geste

mène à la future composition qui s'y

déploiera , en fonction d'accidents de

surface (grain du bois) et des matériaux

choisis .

Il travaille sur du bois ou sur de la toile.

Il utilise des procédés propres à la gravure

et à différentes techniques d'impression.

Il aime la texture du papier, du carton,

et il utilise différentes pâtes ainsi que

des matériaux recyclés ou trouvés,

afin de créer une composition de surface

sur laquelle la couleur viendra jouer

de ses effets sur les textures.

Ses influences sont multiples,

et ses choix sont guidés par son

intuition et les effets proviennent parfois

d'une série d'accidents calculés.

Figuratif ou non, rien n'est jamais

déterminé d'avance.

Il aborde la surface au jour le jour

et accueille au mieux ce qui survient.

Le plaisir de peindre est dans la

découverte et, pour lui, peindre représente

une forme de méditation.

MARIANA SÉMINO

Son développement artistique s’est

échelonné sur plusieurs années. Sa

formation a débuté de façon habituel soit

académique pour, par la suite,

compléter son apprentissage auprès de

plusieurs artistes.

Tout au long de son parcours, elle a

exploré plusieurs médiums tels que: Le

pastel, l’aquarelle, le crayon, et

finalement, la peinture à l’huile.

C’est toutefois par cette dernière qu’elle

arrive le mieux à exprimer les émotions

dans son travail. Le dessin prend aussi

une place important car il est le point

de départ de son processus créatif.

La composition des formes, la création

des personnages, le traitement de la

matière, le choix des couleurs représente

un univers présent au sein d’une

image mentale plutôt que réelle.

La matière est très visible dans sa

peinture: Elle forme un complément

essentiel aux couleurs et aux formes tant

pour exprimer sa réalité imaginaire que

pour apporter de la force à ses oeuvres.

Grâce à la thématique qu’elle exploite

(rêves, fantaisie...), elle arrive à manifester

des émotions cachées et à exprimer ce

qui est au plus profond de son être.

Ses personnages peuvent révéler tant

l’isolement inhérent à la condition

humaine que le bonheur d’être vivants.

Ses oeuvres sont de facture figurative

et le traitement est des plus réalistes.

Ses tableaux ressemblent à des instants

captés sur le vif, des portraits avec

mise en scène... Le regardant est invité

à bâtir son propre univers imaginatif

en utilisant les clés qu’elle lui offre.

Ce ne sont pas des histoires toutes

faites, ce sont des mises en scène qui

l’amèneront, à trouver sa propre histoire.

ISABELLE ST-ROCK

Beaucoup d'artistes savaient dès

l'enfance ce que l’avenir leur réserverait.

Mais dans certains cas, ils ignorent le

talent encore latent en eux.

Isabelle St-Roch voulait devenir

vétérinaire et ne se doutait pas que les

dessins de son enfance lui serviraient

un jour futur en tant que peintre

canadienne contemporaine.

Comme la plupart des enfants,

elle prenait plaisir à s’exprimer au

moyen du dessin sans toutefois savoir

qu’elle gagnerait sa vie en

devenant artiste.

À vingt ans, Isabelle St-Roch empoigna

pour la première fois un pinceau :

La révélation fut immédiate. Dès lors, elle

sut qu'il n'y aurait dorénavant pour elle

aucune autre façon de vivre. Elle débuta

dans un style figuratif, mais évolua vers

une plus grande abstraction afin

d'exprimer sa perception. Le changement

se produisit alors qu’elle s’essayait

pour la première fois à peindre

à la spatule. Une fois encore,

elle sut intuitivement qu’elle était sur

la bonne voie. Depuis lors,

elle peint exclusivement au couteau.

Isabelle St-Roch crée des œuvres

florales abstraites particulièrement

saisissantes et totalement différentes

de tout ce que l’on a pu voir jusqu’alors.

Ce style unique s’exprime par une

exploration des couleurs,

des contrastes et de l'espace.

Elle maîtrise l’application des couleurs

et le maniement de la spatule, un défi

puisque la peinture à l'huile a tendance

à se mélanger. Elle a étudié au studio

Couleur d’art à Montréal, sous la

direction de Richard Morin.

Ses peintures à l'huile ont

fait partie de plusieurs expositions

personnelles et collectives dans des

galeries de Montréal et du Canada.

FRANÇOIS CHARTIER

Illustrateur commercial à Montréal et

Toronto, c’est en 1998, après avoir produit

les affiches de « O » et de « Quidam »

pour le Cirque du soleil,

qu’il quitte la publicitée pour se consacrer

exclusivement à la peinture.Intéressé par

le mouvement photoréaliste, c’est à cette

forme d’art qu’il s’adonne.

Le grand format de ses tableaux

lui permet de toujours présenter ses sujets

plus grands que nature afin de révéler toute

la finesse et la beauté des détails. La

précision requise par l’exécution des

multiples détails d’un tableau hyperréaliste

exige qu’il sois imprégné profondément par

le sujet avant de pouvoir y consacrer les

très nombreuses heures nécessaires à sa

réalisation. Le temps requis pour réaliser

chaque tableau limite évidemment sa

production artistique; “Il m’importe avant

tout que chaque oeuvre conduise mon œil

ainsi que celui de l’observateur vers la

lecture d’un message d’harmonie

et d’équilibre”.

L’exposition à la Gallerie Richelieu est une

de ses rares présences à Montréal, et

présente des oeuvres de 1998 à aujourd’hui.

Sa prochaine exposition aura lieu en

novembre 2010 à Zaragoza en Espagne

avec les membres du groupe Arte Libre.

Il est représenté au Mexique, aux États-Unis

et en Allemagne.

Ses tableaux font partie de collections

privées et corporatives, au Canada,

aux États-Unis, au Mexique, en Europe,

en Russie et au Chili.

Il participe de façon sporadique à

l’élaboration de cours sur la peinture

réaliste à l’école, Studio Couleurs d’Art.

ALEJANDRO BOIM

Sans trop y penser, il profite de cette

merveilleuse invention qu’est le

surréaliste: “L`art comme une grande

salade”. En fait son travail est une grande

salade. Il mélange souliers, tomates,

êtres humains, portes,etc.

En réalité il applique et il mélange, sur

chaque tableau une quantitée différente

de farine, d’œufs, il utilise les épices

de la vie qui lui viennent en tête et il

saupoudre le tout selon l’inspiration

du moment.

En général, le résultat est plutot un

amalgame de ses pensées et de ses

rêveries, un désastre controlé.

Mais, quand les étoiles sont bien

alignées, une petite lumière apparaît et

le guide vers un nouveau tableau.

RICHARD MORIN

Aimant façonner des univers

fantastiques qui canalisent

l’imagination et donnent accès à un

monde nouveau. Un monde en

mouvement où l’équilibre y est

précaire. La spontanéité et l’énergie

déployées dans l’application de la

matière campent les scènes.

Ensuite, il joue avec les couleurs et la

lumière. Ces couleurs franches,

denses et intenses jouent sur un vaste

registre, parfois osé, mais toujours

harmonieux. De par, leur audace et

leur intensité, elles convient le

spectateur à laisser courir son

imagination, à dépasser son quotidien

pour s’élever vers le sublime.

Le raffinement de certains détails

contribue à susciter réflexion et

observation soutenues. Différentes

impressions et atmosphères

cohabitent étrangement.

Fondateur du studio couleur d’art,

il est l’instigateur de l’exposition

« Couleurs d’images en 6 visions »

qui regroupe les professeurs de

l’école Studio Couleur d’Art.